Amores Minúsculos, de Iñaki Nieto, basada en el cómic de Alfonso Casas. (Nave 73)

 Esta historia es un homenaje a esos amores fugaces que todos hemos tenido, esas pequeñas relaciones de edición limitada que son tan reales y nos enseñan tanto o más que ese hipotético amor de cuento de hadas que tal vez llegue, tal vez no. 
Porque en las pequeñas historias también se viven grandes momentos.
Porque los más grandes amores empezaron siendo... 
Amores Minúsculos.

Porque no solo las grandes hazañas merecen ser contadas.

Al igual que Diego Rebollo, integrante del trio creativo que ha dado vida a este proyecto, que quedó prendado del título de un cómic de Alfonso Casas, y tras ello se puso en la pista hasta dar con la obra que nos ocupa, yo también quedé intrigado por el título de esta novela gráfica, a principios de este año, y justo en un momento en que me encontraba inmerso en una de esas pequeñas relaciones, que hacía aguas por todas partes, y esa fue la razón por la que no quise leerla, por miedo a darme de bruces con una historia demasiado veraz. 

Cual fue mi sorpresa que hace un mes, mirando la cartelera, mi compañero de hazañas DJ, Fernando Bside, me pone en la pista de la adaptación al teatro del cómic, y no pudo mas que acrecentar mi curiosidad al respecto. Sala alternativa, doble reparto, comedia romántica urbana... No puedo evitar confesar mis suspicacias al respecto del oportunismo de este estreno, en la estela de éxito que sigue a "Los Miércoles no Existen" de Peris Romano, pionera de este doble elenco, con matices diferenciadores, y que comenzó igualmente en una sala que empezaba en ese momento su rodadura, El Sol de York. 

El trabajo de adaptación de Iñaki Nieto es bueno, por trasladar todo ese universo tan detallado en la obra de Alfonso, a las tablas, aunque se haya decidido dar mayor peso en la historia a un personaje secundario, como el de Nacho, pero que es precisamente este pequeño giro el que imprime mayor carácter a la representación, y es esta historia la que logra que el publico se interese mas, y empalice totalmente con historia de casualidades y destino.

Porque es eso, el destino y el amor, el motor de toda la obra, transmitiendo un mensaje de optimismo, y de que si dedicamos los esfuerzos necesarios en la persecución de aquello que queremos, todo tendrá un buen final, y que la búsqueda de nuestro lugar en el mundo y el luchar por nuestros sueños, merece la pena. 

Si la novela gráfica consta de tres capítulos y un 'epílogo', en la obra, a parte de los protagonistas de cada capítulo, que son Jaime, Nacho, Laura, aquí también se presentan en primera persona los otros componentes de la historia, Eva, Carlos y David. 

En el elenco #Deseo, que es el que pude disfrutar, destaca sobre todos una Elena Alférez (Laura) entrañable, cercana, veraz, y divertida, muy en la línea de una grande como Inma Cuevas, la cual me vino de forma instantánea al ver a esa chica frágil, torpe y pizpireta, que dibuja tan bien Elena, y que hace disfrutar tanto al público. El carisma de Guillermo Barrientos (Nacho) es indudable, y muy alejado de la imagen televisiva que tenía de él. Muy lograda esa cercanía con el publico que hace que sea su historia la que arranque mas sonrisas furtivas, y mas lágrimas. Pablo Castañón (Jaime) le pone quizás demasiado atractivo físico al personaje del cómic, pero no en un mal sentido. Héctor González (Carlos) logra que nos caiga simpático su personaje, Jose Asunción (David) y Mariona Tena (Eva) quedan eclipsados por el resto de sus compañeros, pero igualmente transmiten mucho en sus intervenciones.

He preferido no contar mucho de la historia, porque ya lo habréis leído en otras partes, y prefiero que os dejéis llevar y os concentréis en lo que tenéis delante, para no reparar en el (único) aspecto negativo que he encontrado hoy, la incomodidad de la sala. Chicos de Nave 73, esas gradas, son matadoras, y se que cuanto mas arriba, mayor calor, por comentarios recibidos. Y atención altos, y la viga de la fila 5! Creo que es un aspecto a mejorar, y una disposición diferente del graderío y las localidades, opino que mejoraría las condiciones del público, y de la experiencia completa. 

Eso si, la cafetería es un lujo, con esos sofás, y esas mesas/pupitres, y el buen cafe, y el buen olor, y la carta de tes, y el personal simpatiquísimo y muy atento, y los precios. Bravo. Dan ganas de ir solo a echar la tarde con vosotros. 

Concluyendo, teatro del que gusta, del que entretiene, del que te toca, y del que recomiendas a todos tus amigos ir a ver. Eso si, corred porque han prorrogado el mes de Julio, y las entradas vuelan, y quien sabe si estarán en Agosto (aunque si se van, vuelven seguro seguro). 

Misántropo, de Miguel del Arco. (Teatro Español. Sala Principal)

- Lo que yo quisiera escuchar, Alcestes, es qué necesitas para ser feliz.
- Quiero... que me distingan. Quiero que no me confundan. Quiero un amigo que no sea amigo de todo el género humano. Quiero que seamos honestos. Quiero que nuestras palabras muestren el fondo de nuestros corazones. 

El tercer trabajo de Kamikaze Producciones, después de la genial "La Función por Hacer" y "Veraneantes", adquiere el carácter de magnifica. Su capacidad para enganchar desde el primer momento,empalizar con el protagonista,  y mantenernos pendientes de qué le espera a Alcestes en esa fiesta de "amigos" a la que ha asistido, es algo que no abunda en el panorama actual.

La libre adaptación de "El Misántropo" original de Molière, sigue describiendo el desagrado del protagonista por el genero humano y la sociedad del momento, pero 348 años después. La falsedad, lo deshonesto, las amistades forzadas e interesadas, luchas de poder, venganzas personales, y el ascenso social a cualquier precio, siguen formando parte de lo que somos y de cómo nos comportamos. 

Durante toda la representación gravita el "Carpe Diem" que quieren disfrutar los personajes, no importa cuales sean las consecuencias; el "aquí y ahora", el "lo que dure, dure" y esa sentencia final que "hay tanta fusión de escándalos" que nadie se acordará mañana del tuyo.

Alcestes es ese habitante de la caverna de Platón, pero a la inversa, que ya fuera de la misma, ve las sombras de sus compañeros del interior, meras apariencias de lo que realmente son, y que utilizan la retórica como el arte de enmascarar la verdad, para persuadir y regalar los odios a los demás y lograr el fin ansiado. 

El texto de Miguel del Arco suma la alegoría a las distintas partes de un discurso de la retórica, educándonos para que seamos mejores, y no solo nos comportemos como debemos, por una convención social, sino como el camino para eliminar la hipocresía de nuestras vidas.

Israel Elejalde está soberbio en el papel protagonista, pero ahí está a la zaga Raúl Prieto, al que me  alegra haberle visto crecer sobre las tablas desde aquella "Señorita Julia" en la que desprendía ese magnetismo que se ha convertido en un gran talento. Bárbara Lennie, magnifica como siempre. Manuela Paso en un papel que se merece una ovación, y Cristobal Suarez bordando un histriónico Oronte. Ejemplar dirección de actores. Bravo y bravo. Ah! Y mención especial a esa canción de Asier Etxeandía que pone los pelos de punta, ese actor que sin estar presente, conmueve y agita.

Obra IM-PRES-CIN-DI-BLE, hasta el 22 de junio en el Teatro Español. De esas de no cansarte de repetir y repetir y repetir. 

House of Versace.

Hace dos semanas, estando con varios amigos, descubrí el trailer del show, y pensé que iba a ser una serie, y me froté las manos; a qué mente loca se le ocurriría hacer algo como este proyecto, sobre alguien que está aún entre nosotros, es lo que me vino a la cabeza. A parte que siempre es un placer ver a Gina en pantalla. Eso es una diva trash, y las demás son unas aficionadas.

Este pasado fin de semana se estrenó en el canal Lifetime, y después de haber visto el resultado final, me hubiese gustado quedarme con el hype del trailer, porque ha sido una decepción absoluta. No hay diálogos icónicos, mas allá del "Yo ya estaba loca antes de las drogas", o esa otra tras pasar por rehab que dice "Tener que quitarme los tacones fue aún más duro que tener que dejar las drogas". El vestuario, aún tratándose de una peli sobre moda, tampoco es que sea espectacular, y más allá del gran trabajo de caracterización de Gina, que es realmente idéntica a Donatella, el resto del elenco están flojitos, y Gianni Versace convertido en una caricatura.

La película comienza unos meses antes del asesinato de Gianni, y se nos muestra la relación de amor-odio que se tenían como hermanos. En esa época Donatella era siemplemente una estilista y relaciones públicas de la firma, encargada de sacar adelante la firma, ya que Gianni solo se dedica a dormir y pasar tiempo con su novio Antonio. El coqueteo con las drogas de Donatella, se convierte en adicción tras la muerte del hermano, y su familia decide ingresarla en rehab, para que tome de nuevo las riendas de su vida y reflote el imperio que se hunde. Donatella pasa de ser una segundona a la sombra de su hermano, a ser otra segundona tras su hija Allegra, única heredera del imperio, la cual no desea nada de ello.

El biopic es muy amable con Donatella, y todo es descafeinado. No hay morbo de ningún tipo en las intrigas de la familia, no hay conflicto, todo está basado en una hora y cuarto de caida (con paracaidas) para 15 minutos de "aqui no ha pasado nada". Un material muy desaprovechado, que imagino motivado por las presiones externas de los personajes reales. Me hubiese gustado ver un "Mersache", en el que se mostrasen los trapos sucios de la moda, la erótica del poder, y el proceso de creación de un imperio.

Poneosla como la peli de domingo para echarse la siesta, aunque no me cabe ninguna duda que a Gina le caiga alguna nominación por este trabajo, ya que está espléndida. Comedida, pero maravillosa.
 
HOUSE OF VERSACE TRAILER from Jeremy Dann-Soury on Vimeo.

The Bling Ring. Vuelve La Coppola!

Sofia sigue fiel a su agenda de sacar una una nueva película cada 4 años aproximadamente, y tras tratar en "Somewhere" las tribulaciones de una estrella, ahora saltamos al otro lado de la pantalla y en "The Bling Ring" vemos la vida de los fanáticos de estas estrellas. Fanáticos que sobrepasan la barrera del "quiero un vestido como el de Lindsay Lohan" al "quiero ESE vestido de Lindsay Lohan".

La película está basada en artículo de Nancy Jo Sales para Vanity Fair, "The Suspects Wore Louboutins", publicado en marzo de 2010, y el cual narraba la historia real de los cinco jóvenes que se dedicaron a entrar en las casa de famosos, tales como Lindsay Lohan, Paris Hilton (la cual prestó parte de su domicilio para el rodaje), Audrina Patridge, Miranda Kerr y Rachel Bilson.

Todas las películas de Sofía cuentan una anécdota de la vida de los personajes, que termina siendo crucial para el resto de sus vidas. En la única que el marco temporal se ampliaba fue en Marie Antoinette, y era motivado por el carácter histórico del personaje, pero aún Sofía podría haberse centrado en ese caso en el romance de la reina con el conde Axel Fersen, y la película no hubiese perdido fuerza. La anécdota en este caso es el año de robos en casa de famosos, hasta el momento en que se produce el juicio por estos delitos (tranquilxs, que esto no es ni spoiler!).

Emma Watson está, como siempre, soberbia en su papel como Nicki, y del resto de las chicas destaco a Katie Chang y (solo un poco) a Claire Julien. El resto son circunstanciales, (si Taissa Farmiga, tu también!), o como es el caso de Leslie Mann, interpretando a la madre de Emma, es cargante. Él, Israel Broussard, como casi debutante, está correcto.

Sobre lo demás, con Sofia no puedo ser objetivo, todo muy bien filmado, genial fotografía, banda sonora deliciosa y con temazos, y un plano final que condensa toda la película.

Mi "Closer To The Truth" Experience, by Cher.

La no travesti más travesti de la historia saca disco. Al fin. Veamos lo que nos ha hecho...

1. Woman's World: El primer single. Temazo mal que le pese a muchos. Rompepistas con su subidón, de esos de mover mucho la peluca y que te salga disparada. 
2. Take It Like A Man: Bien de autotune a lo "Believe". Cher en esta canción nos dice que si un tio quiere su corazón, que reciba como un hombre; que cuando ella apague la luz, que sepa a lo que atenerse. Cher ha debido asumir que los únicos hombres que la quieren son los maricones, y ella quiere un power bottom muy hombre; un caballero machote en la calle, y una puta en la cama. Cher. Un penis strap. Pensadlo por un momento.
3. My Love: "No estás solo, tengo un lugar en el que puedes ser amado." Mucho buen rollo, con un sampler muy "The One" de Kylie. Canción de esas de las 4am en la disco, que la bailas y se te corre todo el rimmel, y terminas con cara de Sad Panda.
4. Dressed To Kill: Hay tanto tanto tanto autotune que hija, Cher, necesito subtítulos para enterarme! Hay mucha intención en plan "salgo a comerme la noche y to' lo que pille" pero vamos, que al final solo te has dress to kill al chulo de todos los fines de semana. Bailable tirando a flojeras.
5. Red: Esto me suena a una historia sobre un amigo que se fue a esquiar sin gafas de sol, y se quemó la retina y solo veía rojo. Todo es rojo para Cher, rojo como sus labios cuando le dice que el churri va a verla... 
6. Lovers Forever: Cher nos reivindica los 80s, pero es todo un batiburrillo de soniditos... Creo que debe ser la canción favorita de Cher compuesta por su perro pulsando teclas al tún tún. El perro tiene talento. Sigue trabajando.
7. I Walk Alone: Country para travestis. Botas de cowboy de charol bien rojo, con mucho fleco y tacón de aguja. Esta es la prerrogativa de Cher, que ella va a su bola, que le queda tiempo para todo, pero que al final lo hace todo sola. Bien tronca, esto mola. Creo que en lo que va del disco, y a parte del "Woman's World", esta es mi siguiente favorita.
8. Sirens: Balada de turno. Pero creo que a Cher no le quedó claro que el canto de las sirenas eran para cargarse a los marinos, no para salvarles, pero bueno. Puede ser una balada de amor autodestructivo en plan kamikaze. Nadar contracorriente, curarse con esperanza, todo de la manita, el amor sobrevivirá. Me huelo que esto se convertirá en la canción de boda gay de la siguiente generación maricas carcas. Venga, va, me convence, aprobamos la balada obligatoria de every fucking disco, pero apunto que 5 minutacos se hacen largos...
9. Favourite Scars: Mediotiempo pasable. Pero vamos, que ni me inspira para decir nada al respecto. Next!
10. I Hope You Find It: Balada de ruptura. Cher le manda este whatsapp al chulo de turno y espera el doble tick, y le deja antes que lo haga él, porque es un cobarde que lleva sin dar señales de vida meses y meses. Nueva canción de muro de Facebook para cuando nos dejen.
11. Lie To Me: Cerrar un disco con una balada ya predestina el disco a un flop, he dicho! Esta canción se la dedico a un amigo que ha vuelto con el unfaithful de su novio, y parece que si, que "truth is overrated" para él, como para Cher. Esta balada es muy "Welcome to the 21st" ya que no es normal que el mensaje suela ser "yo es que tampoco he sido un santito, así que dejemos pasar nuestros errores (y quien dice errores, dice polvos en el baño de la disco) y sigamos juntos".

A ver, después de esta primera escucha, pues el disco no está mal, y las baladas son depurativas del ruido de algunas de las canciones anteriores, pero que se salven tres canciones sobre once, no es muy bueno.

La Realidad, de Denise Despeyroux. (Sala Triángulo)

No se ni por donde empezar a escribir este post. Fue ayer cuando fui a ver la excepcional interpretación de Fernanda Orazi, sobre el texto de Denise Despeyroux a la sala Triángulo de Madrid, y aún sigo dando vueltas a la obra. Después de verla, mi acompañante y yo estuvimos dialogando al respecto, y teníamos interpretaciones totalmente antagónicas de lo que pensamos que había ocurrido en la obra. Y eso el lo bonito del teatro, y de esta obra en particular, que te deje un poso que paladear en los días sucesivos; que te haga reflexionar sobre lo que acabas de ver, aplicado a tu propia vida. No haber sido un sujeto pasivo que se ha sentado en la oscuridad de una sala, y se ha ido a tomar una caña después sin mas.

Andrómeda y Luz hablan por Skype. Una de las dos va a morir y le ha pedido a la otra que por favor la suplante ante su madre. A raíz de esto, y como pide una de ellas, tiene que cambiar por dentro para poder mostrarlo hacia afuera. Este ejercicio de exploración saca recuerdos familiares, rencores, y todo aquello que ha estado oculto durante toda sus vidas.

Fernanda Orazi interpreta a ambas hermanas, en formato físico y virtual, de una forma que no muchas actrices pueden conseguir, haciéndote plantearte por momentos que en realidad son dos personas distintas. No es posible que una esté frente a nosotros, y la otra en una pantalla, y esa conversación no sea real. El ejercicio interpretativo, y el tempo de las réplicas es perfecto.

He leído en el prólogo del texto que fue Fernanda quien le encargó a Denise que por favor le escribiese una obra para ella, y en un tiempo récord, y basándose en un proyecto en proceso con nombre "Los dramáticos orígenes de las galaxias espirales", Denise extrajo a estos dos personajes para darles esta primera existencia.

Había visto hace unos meses a Fernanda en "Muda" de Pablo Messiez, en el Sol de York, y su presencia sobre las tablas, y la facilidad de cambiar registros en el tiempo que se tarda en chascar los dedos, me fascinó, y no podía perderme el reestreno de esta obra, que ya estuvo el año pasado en el Fernán Gómez.

Pocas cosas puedo decir mas que por favor vayáis a verla. Teatro del bueno buenísmo. Imprescindible no, lo siguiente!

Hoy No Me Puedo Levantar, versión 2013. (Teatro Arteria Coliseum)

Ayer, por sorpresa, me invitaron a ver una de las sesiones previas del renovado HNMPL, que pasa al teatro Arteria Coliseum en esta nueva temporada. Si la anterior vez que estuvo programado, lo vi tres veces, y hasta la función infantil, esta vez no podía ser menos.

Sin haber visto el trailer del nuevo espectáculo, quedé con la boca abierta con el mapping inicial, y las proyecciones que van sucediendo durante el espectáculo. Ha sido un salto cualitativo bestial, que nos iguala con la calidad que se espera de un musical fuera de España (o hasta lo mejora, porque las proyecciones y los diseños de las mismas son brutales!).

La historia es la misma que ya conocemos. Mario y Colate se mudan a Madrid porque quieren montar un grupo. Mario conoce a María. Colate conoce las drogas. Montan el grupo. Ascenso. Caída.

Aún predispuesto a soltar la lagrimita ríos de lágrimas en los momentos que yo me se, fue sorprendente comprobar cómo han resuelto las diferencias en la infraestructura del anterior teatro a este, que tanto juego daban (recordad que la habitación de Colate y las bailarinas y orquesta estaban dispuestos en los palcos).

En cuanto al reparto, comentar que a Diges solo se le ve cómodo en registros en los que tiene que forzar la voz y hacer gorgoritos, y a nivel interpretativo, ya sabemos todos que bueno, el chico, no es. Correcto y ya. Adrián Lastra brilla en la parte yonki de Colate. La Polvorosa canta sorprendentemente bien, y sigue en su registro de choni (porque de punk su personaje tiene poco). Y el resto, pues bien, muy correctos.

El estreno está previsto para el 12 de septiembre y esta vez el boca oreja de la espectacularidad de todo va a hacer que revienten todos los records anteriores. Picaría en repetir, pero los precios son EXAGERADOS, aunque hay que reconocer, que el nuevo juego de luces, la escenografía, y el mapping, no deben ser muy baratos (de 89€ a 46.20€, porque las entradas de 22€ son indignas).

Ya era hora que tuviésemos un musical digno en España!.

La Dama Duende, de Pedro Calderón de la Barca. (Teatro Español)

Ayer fue el estreno de "La Dama Duende" en el Teatro Español, de Madrid, y marca en arranque de la temporada teatral. Entre los asistentes al estreno pude ver a Paco Delgado, Ángeles Martín y Silvia Marsó.

Después de esta oficialidad, he tenido que esperar a escribir esto después de dormir, ya que llegué con un dolor de cabeza de traca. Aviso a los teatreros... Id con los ánimos bien altos porque son 2 horas y 20 minutos de representación, sin intermedio. Yo no soy muy amigo de intermedios, porque me cortan el rollo mucho, pero ayer, hubiese agradecido uno a la hora, que es cuando empecé a ver iluminarse pantallitas por el teatro en plan "cuánto le queda a esto".

La Dama Duende se hace larga. Muy larga. Extremadamente larga. Y eso que según Pedro Víllora, responsable de la versión, está reducida. Ni siquiera los tres momentos realmente cómicos de la obra, que puedo recordar, te quitan la sensación de "por Dios que se acabe ya".

Paso a la parte artística. A Chema León siempre le he visto en papeles clásicos, y no se puede negar que se mueve como pez en el agua en ellos. En contra pongo a Diana Palazón (Doña Ángela). A ver, que la chica le pone ganas y lleva ya mucho tiempo en esto y tal, pero me la sacas de la TV, y es que no la veo yo. Convierte cualquier personaje en una cosa plana y confusa, que opino es por una dicción bastante pésima, y una proyección de la voz nula. Mi madre lo describió como "gritona", pero gritona en plan la voz no me da pa' más. Haberla puesto de protagonista me parece MUY arriesgado; en cambio Eva Marciel (Doña Beatriz), que tiene un papel muy reducido y sin apenas matices, hubiese dado ese punto de ingenuidad y sumisión y ansias de libertad que Diana lo logra transmitir.

Mención a parte merecen los criados, Iván Hermes (Cosme) y Mona Martínez (Isabel) que son los que se roban la obra en todas sus intervenciones. Estás deseando que desaparezcan los pesados de Don Manuel y Doña Ángela, y que salgan ellos a dar marchita al asunto. El papel de Marcial Álvarez (Don Luis) es poco agradecido y demasiado borderline, obsesionado con Doña Beatriz, pero sin saber muy bien por qué, y que al terminar la obra te planteas que realmente el pobre solo quería meterla en caliente, con quien fuese. Del resto del elenco, poco que añadir, ya que una línea de texto, me da para muy poco...

Escenografía correcta, con el juego de las puertas, y vestuario muy sobresaliente (pensaba que Paco Delgado estaba allí por el diseño del mismo, pero no, está a cargo de Almudena Rodríguez. Bravo por ella!)

Como valoración general, le daré un 6/10, por el trabajo de Hermes, Martínez y Álvarez. La duración extrema, la poca fluidez del texto y unos protagonistas totalmente carentes de interés me impiden dar más.

Hasta el 15 de septiembre tenéis tiempo de ir a verla si sois muy muy muy fan del teatro clásico y tenéis un hueco de 2h20min en vuestra agenda.

Antígona, de Jean Anouilh. (Naves del Español)

No me esperaba nada de este montaje, porque no había oído nada aún. Estrenada el 6 de febrero, hace menos de una semana, todavía el boca-oreja no ha empezado lo suficientemente fuerte como para llenar la sala y colgar el cartel de "No hay localidades para hoy".

Rubén Ochandiano y Najwa Nimri, en su debut sobre las tablas, encabezan el cartel de esta versión del original francés de Jean Anouilh, escrita en 1942. La Antígona de Ochandiano y Carlos Dorrego, que codirige la obra, es una joven obcecada en dar sepultura a su hermano, cuyo cadáver se encuentra expuesto a la intemperie por Creón, su tío  y este sentimiento de hacer lo que tiene que hacerse es lo que le llevará a su trágico final.

El resto del reparto lo completan Toni Acosta, como Ismena, la hermana; Berta Ojea, como la nodriza; Sergio Mur, Hemón, prometido de Antígona e hijo del rey; David Kammenos, mano derecha de Creón; y Nico Romero, como el guardia, y Ramón Grau al piano.



Los papeles femeninos, a parte de la protagonista, son breves y según mi opinión, poco carismáticos. Sergio Mur participa brevemente pero interpreta de forma muy convincente a ese Hemón, niño atrapado en el cuerpo de un hombre muy desarrollado (gracias dirección por decidir que Sergio vaya shirtless!). David actúa como puente y es una suerte de narrador, en francés, cuyas intervenciones son más que brillantes.

Najwa no lo hace mal, pero, aunque suene tópico, le faltan tablas. Este debut es una apuesta arriesgada, y quizá al personaje le falta rodaje, pero se agradecería una mejor dicción y elevar el tono de voz. Ya sabemos que la voz de Najwa es susurrante, sugerente, pero eso no puede imperar sobre un papel que a mi pareces, necesita más fuerza.

Las dos JOYAS del espectáculo son Rubén y Nico. Rubén aparece en la segunda mitad de la obra, y es su Creón, quien entrega los momentos y diálogos gloriosos de la obra. Un rey que vela por el prestigio de su autoridad, y que aporta el punto de madurez y realismo duro ante tanto idealismo y sentido de justicia de la juventud. El diálogo final entre Hemón y Creón es duro pero muy real.

La otra joya es Nico Romero, todo un descubrimiento. Un guardia, con estética de payaso grotesco, sumiso a las órdenes que le se mandan, que solo oye, ve y calla. Interpretación sublime, que junto a Rubén, hacen que merezca la pena ir a verles.




La totalidad de la obra me recordó a esos montajes de Tomaz Pandur que en esas sala se han interpretado, con ese punto actual, contemporáneo, transgresor, que acerca tragedias clásicas a la actualidad, y las adapta a lo que estamos viviendo en este momento, demostrando que las tragedias son atemporales, y los sentimientos más básicos, como el honor, la justicia, la obediencia social y la tiranía, son atemporales.

Hasta el 17 de marzo en la sala 1 de las Naves del Español. MUY recomendable, y si no fuese por el precio, sin duda que repetiría. Corred la voz, y que este montaje se convierta en todo un éxito.